La Naissance de Vénus : Analyse d'un Chef-d'œuvre de Botticelli
La Naissance de Vénus est un tableau de Sandro Botticelli, exposé à la Galerie des Offices de Florence en Italie. Peint durant la Renaissance, vers 1484, il est considéré comme l’un des chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art.
Contexte et Création
Ce tableau reprend un thème de la mythologie gréco-romaine. Dans la civilisation grecque, Aphrodite est la déesse de la beauté et de l’amour. Les Romains l’appellent Vénus. Selon la légende, elle naît de l’écume des flots puis, portée sur un coquillage, apparaît sur l’île de Cythère. Elle est aussi la déesse de la fertilité. Éros (Cupidon pour les Romains), le petit dieu ailé, est généralement considéré comme son fils.
Alessandro Filipepi, dit Sandro Botticelli, est l’un des plus grands peintres florentins de la seconde moitié du XVe siècle. En 1481, il est envoyé à Rome avec les meilleurs artistes de son temps pour décorer la chapelle Sixtine. Il réalise essentiellement des peintures religieuses.
La Naissance de Vénus, qu’il peint vers 1484, est un tableau original car il s’agit d’un sujet non chrétien et de la représentation d’une femme nue. C’est d’autre part une œuvre peinte sur toile et non sur bois, ce qui est rare à l’époque.
Le commanditaire est sans doute Lorenzo di Pierfrancesco de Medicis, cousin de Laurent le Magnifique, membre de la célèbre famille Médicis, banquiers, qui détient le pouvoir à Florence à cette époque.
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Description et Composition de l'Œuvre
La Naissance de Vénus est une tempera sur toile. C’est-à-dire qu’elle a été peinte avec des pigments broyés mélangés à du blanc d’œuf ou du lait de figue. Deux toiles ont été cousues ensemble pour accueillir cette composition monumentale de 172,5 × 278,5 cm.
Trois groupes de personnages se détachent sur un décor maritime. On aperçoit un littoral escarpé dont les vagues se dirigent vers le bas du tableau. Des roses, nées avec Vénus, tombent du ciel. Les quatre éléments sont présents : l’air (avec le dieu du vent Zéphyr), l’eau de la mer, la Terre (avec le rivage à droite) et le feu (celui de l’amour).
Au centre de la composition, se trouve Vénus, jeune femme nue aux longs cheveux dénoués, presque grandeur nature . Elle est debout sur un grand coquillage poussé par le souffle de deux figures en vol, sur la gauche . À droite, sur un rivage (l’île de Cythère ?), une femme vêtue d’une draperie lui tend un manteau rose brodé de fleurs . Sur l’île, poussent le laurier et le myrte, plantes symboliques de Vénus. Celle-ci semble indifférente et rêveuse. Sa posture est en contrapposto, c’est-à-dire un déhanchement inspiré de la pose des statues grecques.
Les Personnages Principaux
- Vénus: Au centre, perchée sur une conque ouverte, on découvre Vénus, déesse de la beauté (Aphrodite pour les Grecs). Sa nudité est un symbole de pureté et d’innocence tandis que ses courbes évoquent la sensualité. Elle tente de cacher sa poitrine d’un geste délicat de la main et sa longue chevelure blonde lui sert de cache-sexe. Son léger déhanchement suggère un mouvement et son regard semble perdu dans une grâce mélancolique.
- Zéphyr et Chloris: À gauche du tableau se tient un couple enlacé dans les airs : Zéphyr, le dieu des vents et sa femme. Les joues gonflées du personnage signalent qu’il souffle sur Vénus pour la pousser vers la berge.
- Flore: À droite, on découvre Flore, la déesse du printemps (l’une des « Heures »). Depuis le rivage, elle est prête à accueillir Vénus en lui tendant une étoffe pourpre parsemée de fleurs qui symbolise la fertilité. Quant aux bleuets qui ornent sa robe, ils renvoient à la saison des amours.
L'Épisode Mythologique
Ce tableau met en scène l’arrivée de Vénus à Chypre juste après sa naissance. D’après le poète grec Hésiode, Vénus est née des organes génitaux de son père Ouranos (le dieu du ciel) qui maintenait ses enfants cachés dans la Terre. Son fils rebelle Chronos a coupé les organes de son père et les a jetés à la mer. En tombant dans l’eau, une écume s’est formée pour donner naissance à la déesse de l’amour Vénus ou Aphrodite.
Analyse et Interprétations
Botticelli semble s’être aussi inspiré d’un poème de l’humaniste Ange Politien, nommé les Stanze per la giostra (Chambre pour le manège). Ce dernier est un élève de Marsile Ficin, un humaniste et précepteur des enfants de Laurent le Magnifique. Ce poème décrit un relief imaginaire placé sur la porte du palais de Vénus. Il nous permet d’identifier le couple enlacé comme Zéphyr (le vent printanier régénérateur) et sa compagne Flore . Des roses s’échappent de leurs bouches.
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Plus importante est la signification symbolique de cette œuvre, qui est à replacer dans le contexte de la pensée néoplatonicienne en vogue à la cour des Médicis. La pensée du philosophe grec Platon (IVe siècle av. J.-C.) connaît un grand essor au XVe siècle à Florence. La ville est le grand centre culturel de la Renaissance. On y redécouvre avec enthousiasme la pensée antique.
Les humanistes florentins, en premier lieu Marcile Ficin, cherchent à édifier un système philosophique unifiant l’héritage antique païen et la doctrine chrétienne. Botticelli, artiste raffiné et intellectuel, ne se contente pas d’illustrer le mythe antique. Il reprend l’interprétation complexe du thème de l’amour établie par Platon dans Le Banquet.
C’est une recherche de beauté absolue accessible au terme d’un processus en plusieurs étapes : amour d’un beau corps, puis d’une belle âme, finalement amour du savoir, qui en est la forme supérieure. Le philosophe définit deux principes : la Vénus terrestre, associée à l’amour charnel et à la fécondité, et la Vénus céleste, symbolisant l’amour divin.
Si la Vénus de Botticelli reprend le contrapposto antique, elle n’a pas les proportions d’une statue grecque. Son cou est plus long, ses épaules étroites. Sa posture instable, son expression mélancolique, donnent une impression de grâce et de fragilité . Sa nudité ne doit pas être interprétée dans un sens érotique. Contrairement au Moyen Âge, qui associe le corps humain nu à la honte et au vice, la Renaissance voit dans la beauté physique le reflet de l’âme.
La déesse nue de Botticelli, innocente et pure, serait la Vénus céleste néoplatonicienne. La Vénus vulgaire, charnelle, est au contraire représentée vêtue. Cette seconde Vénus est célébrée par l’artiste dans un autre tableau de la galerie des Offices, Le Printemps . Elle régit le cycle fécondateur de la nature et apporte, par l’amour, l’harmonie dans l’univers.
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La Vénus Pudica et l'Influence de Platon
Platon s’est intéressé aux deux mythes de la naissance de Vénus. Dans Le Banquet, il avance que la dualité de ses origines est symbolique d’une double nature de la femme. Fille de Zeus et Dioné, elle incarne l’Aphrodite Pandémos, c’est à dire l’Aphrodite de tout le peuple. Sa conception et sa naissance sont physiques, matérielles. Pour Platon, elle incarne symboliquement, dans ce cas, l’amour matériel, physique, terrestre et vulgaire. Son discours s’appuie vraisemblablement sur les nombreux mythes relatant la légèreté de la déesse, sans doute la plus dévergondée de l’Olympe.
Engendré de manière miraculeuse, elle est l’Aphrodite Urania, celle née d’Uranus, le dieu du Ciel. Dans ce cas, elle personnifie l’amour spirituel, pur et donc céleste. Cette dichotomie se retrouve dans la nature de toutes les femmes, à la fois terrestres et divines, inspirant à la fois une attirance physique et un amour spirituel.
La Vénus pudique répond en tout point à l’Aphrodite Urania de Platon. Sa nudité exprime la Beauté, dont elle est la divinité. Consciente de son état, elle cache ce qui pourrait conduire au désir charnel. C’est le même modèle que Botticelli adopte dans son tableau.
Renaissance et Humanisme
La Renaissance se caractérise par une révolution culturelle, intellectuelle et artistique sans précédent. L’essor de l’humanisme replace l’homme et l’individu au centre des discussions - en contraste avec le contrôle et l’autorité de l’Eglise du Moyen-Âge. Ces derniers sont enfin reconnus pour leur talent, ce qui n’était pas vraiment le cas auparavant.
De plus, l’art Gothique, qui précède la Renaissance, est littéralement plat. Sans perspectives, sans émotions. La Renaissance est donc non seulement un renouveau, mais aussi une libération. Les perspectives sont nettes. Les personnages sont réels. On distingue leur expression. Marie n’est pas uniquement une sainte. C’est aussi une mère.
Cette conception parle à l’Académie platonicienne de Florence. Ses philosophes cherchent en effet à concilier la culture humaniste antique et la religion chrétienne. Ils voient dans Vénus une incarnation duale de l’amour. L’amour potentiellement passionnel et destructeur, qui réduit l’Homme à ses instincts primaires. Mais aussi, et surtout, l’amour platonique, dont le concept est développé par Marsile Ficin. Il s’agit-là d’un amour spirituel et chaste, exempt de toute intention sexuelle, qui tire l’Homme vers le céleste, donc le divin.
Simonetta Vespucci : Muse et Modèle
La Vénus de Botticelli serait Simonetta Vespucci, appelée « la bella Simonetta » et réputée comme la plus belle femme de son époque. Après son mariage avec Marco Vespucci (cousin du navigateur Amerigo Vespucci), elle vivra avec son mari à Florence. Elle était populaire à la cour de Laurent le Magnifique, notamment pour sa beauté.
À son arrivée, elle est remarquée par plusieurs peintres dont Sandro Botticelli. Elle aurait ainsi servi de modèle pour La Naissance de Vénus (et d’autres tableaux).
L’incarnation de Simonetta Vespucci dans Vénus, pour Botticelli, est sans doute un hommage de l’artiste à son égérie décédée. Un portrait posthume, mais, au-delà un tableau mémoriel de la femme dont il était platoniquement amoureux.
Le choix de Simonetta comme modèle posthume s’accorde également avec la philosophie néoplatonicienne de l’Académie florentine : elle évoque l’amour platonique, qui trouve un écho dans la littérature courtoise. Mais également parce que Platon avançait que le Beau engendrait le Bien, par un processus d’élévation de l’esprit. Qui est plus à même d’incarner le Beau que celle qui fut considérée comme la plus belle femme de son temps ?
Innovations et Héritage
Si nous regardons attentivement la composition de l’œuvre, nous constatons que la déesse et ses auxiliaires sont quelque peu en décalage avec le décor. Les figures semblent comme plaquées ou surajoutées sur un paysage qui ne bénéficie pas d’un traitement en profondeur, par une absence de perspective linéaire.
Pourtant, l’artiste florentin ne peut en ignorer les règles, édictées près d’un demi-siècle plus tôt par un autre florentin : Léon Battista Alberti dans De Pictura. Botticelli omet volontairement ces règles. Il ne cherche pas à produire une représentation réaliste.
L’utilisation du trait délimite les figures par rapport à l’arrière-plan et les projette vers l’avant. Vénus n’est pas en équilibre sur sa coquille. Les personnages se présentent donc plutôt comme une apparition, un mirage. Et le rêve, comme une vision mystique ou un miracle ont peu à voir avec la réalité.
Le caractère innovant de La Naissance de Vénus suscite l’intérêt et l’engouement de l’Europe entière. On la retrouve très rapidement sous les traits de Griselda en 1494. Cette héroïne de conte, popularisé par de nombreux auteurs médiévaux (Geoffrey Chaucer, Boccace, Pétrarque et Christine de Pizan), est l’exemple de la loyauté et de la fidélité face à l’adversité.
La Naissance de Vénus est devenue une véritable icône de la peinture de la Renaissance italienne. Cette œuvre typique de la Renaissance Florentine, incarne l’éloge des sens, l’idéalisation et la sensualité, l’amour charnel et l’amour spirituel.