La Naissance de Vénus : Analyse d'un Chef-d'œuvre de Botticelli
La Naissance de Vénus est un tableau de Sandro Botticelli. Il se trouve à la galerie des Offices de Florence en Italie. Il a été peint durant la Renaissance, en 1484. Cette œuvre, mondialement connue est un incontournable de l’art et de la mythologie. Il s'agit de l'œuvre la plus connue de Boticelli, peinte vers 1484 et 1486.
La Naissance de Vénus est devenue une véritable icône de la peinture de la Renaissance italienne. Créé à Florence, ce tableau reprend un thème de la mythologie gréco-romaine. Dans la civilisation grecque, Aphrodite est la déesse de la beauté et de l’amour. Les Romains l’appellent Vénus. Selon la légende, elle naît de l’écume des flots puis, portée sur un coquillage, apparaît sur l’île de Cythère. Elle est aussi la déesse de la fertilité. Éros (Cupidon pour les Romains), le petit dieu ailé, est généralement considéré comme son fils.
Alessandro Filipepi, dit Sandro Botticelli, est l’un des plus grands peintres florentins de la seconde moitié du XVe siècle. En 1481, il est envoyé à Rome avec les meilleurs artistes de son temps pour décorer la chapelle Sixtine. Il réalise essentiellement des peintures religieuses. La Naissance de Vénus, qu’il peint vers 1484, est un tableau original car il s’agit d’un sujet non chrétien et de la représentation d’une femme nue. C’est d’autre part une œuvre peinte sur toile et non sur bois, ce qui est rare à l’époque. Le commanditaire est sans doute Lorenzo di Pierfrancesco de Medicis, cousin de Laurent le Magnifique, membre de la célèbre famille Médicis, banquiers, qui détient le pouvoir à Florence à cette époque.
Dans cette œuvre, le peintre italien traite un sujet païen pour rendre hommage au raffinement artistique de son époque. Cette femme à la peau diaphane qui semble délicatement posée sur un coquillage, entourée de figures toutes tournées vers elle, n’est autre que Vénus, la déesse de l’amour.
Caractéristiques Techniques et Composition de l'Œuvre
La Naissance de Vénus est une tempera sur toile. C’est-à-dire qu’elle a été peinte avec des pigments broyés mélangés à du blanc d’œuf ou du lait de figue. Deux toiles ont été cousues ensemble pour accueillir cette composition monumentale de 172,5 × 278,5 cm. Aujourd’hui exposé à la Galerie des Offices de Florence en Italie, ce tableau a probablement été commandé par ou pour un membre de la famille Médicis. Il a été peint en 1485, au temps de Laurent le Magnifique.
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À travers les différents personnages, le paysage, la composition, Sandro Botticelli a cherché à rendre hommage à ce que la nature a de plus précieux. Trois groupes de personnages se détachent sur un décor maritime. On aperçoit un littoral escarpé dont les vagues se dirigent vers le bas du tableau. Des roses, nées avec Vénus, tombent du ciel. Les quatre éléments sont présents : l’air (avec le dieu du vent Zéphyr), l’eau de la mer, la Terre (avec le rivage à droite) et le feu (celui de l’amour).
Les Personnages Principaux
Au centre, on trouve une Vénus mélancolique sur un coquillage. De part et d'autre de cette figure centrale presque à taille réelle, on trouve une jeune femme (la déesse du printemps) et de l’autre côté le dieu du vent Zéphyr accompagné de sa femme la nymphe Chloris symbole de l’amour physique.
- Vénus : Au centre, perchée sur une conque ouverte, on découvre Vénus, déesse de la beauté (Aphrodite pour les Grecs). Sa nudité est un symbole de pureté et d’innocence tandis que ses courbes évoquent la sensualité. Le coquillage est quant à lui un signe de fertilité puisqu’il est une métaphore du sexe féminin. Elle tente de cacher sa poitrine d’un geste délicat de la main et sa longue chevelure blonde lui sert de cache-sexe. Son léger déhanchement, qui évoque la statuaire antique, suggère un mouvement. Et son regard semble perdu dans une grâce mélancolique.
- Zéphyr et Chloris : À gauche du tableau se tient un couple enlacé dans les airs : Zéphyr, le dieu des vents et sa femme. Les joues gonflées du personnage signalent qu’il souffle sur Vénus pour la pousser vers la berge.
- Flore : À droite, on découvre Flore, la déesse du printemps (l’une des « Heures »). Depuis le rivage, elle est prête à accueillir Vénus en lui tendant une étoffe pourpre parsemée de fleurs qui symbolise la fertilité. Quant aux bleuets qui ornent sa robe, ils renvoient à la saison des amours.
Le Mythe Derrière le Tableau
Ce tableau met en scène l’arrivée de Vénus à Chypre juste après sa naissance. D’après le poète grec Hésiode, Vénus est née des organes génitaux de son père Ouranos (le dieu du ciel) qui maintenait ses enfants cachés dans la Terre. Son fils rebelle Chronos a coupé les organes de son père et les a jetés à la mer. En tombant dans l’eau, une écume s’est formée pour donner naissance à la déesse de l’amour Vénus ou Aphrodite.
A gauche de Vénus classiquement parée de ses attributs (la conque et les roses), on voit deux Vents (Zéphyr et sa compagne, la brise Aura) pousser par leur souffle la déesse vers le rivage. Ainsi sa chevelure est-elle mise en mouvement, ainsi que les vêtements du second personnage féminin sur la droite, cette jeune fille qui porte une branche de roses en guise de ceinture et qui serait l'une des Heures (une déesse des saisons, probablement le Printemps).
Aby Warburg, dans un texte écrit en 1893, s'interroge sur les raisons pour lesquelles Botticelli a voulu représenter non seulement le mouvement, mais la cause du mouvement (les Dieux du vent). Il revient pour cela aux sources littéraires de cette oeuvre : les Hymnes Homériques (collection de poèmes qui remontent à l'époque d'Hésiode), la Giostra d'Ange Politien (1454-1494), un poète humaniste contemporain de Botticelli (1444-1510), qui a aussi, plus tard, inspiré Raphael et Michel-Ange - auxquels il faudrait ajouter la description par Pline l'Ancien d'une Aphrodite anadyomène [qui sort de l'eau] par le peintre grec Apelle (peinture dont nul ne sait si elle a vraiment existé).
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On peut interpréter ces mises en mouvements, qui contrastent avec le caractère reclos, impénétrable de la déesse (voir ici une analyse plus détaillée de Vénus), comme des marques de sensualité, des évocations de la joie et de l'ivresse de l'amour, qui expliqueraient le constat de Warburg : cette peinture encourage l'empathie.
La Renaissance et l'Influence de la Philosophie Néoplatonicienne
Plus importante est la signification symbolique de cette œuvre, qui est à replacer dans le contexte de la pensée néoplatonicienne en vogue à la cour des Médicis. La pensée du philosophe grec Platon (IVe siècle av. J.-C.) connaît un grand essor au XVe siècle à Florence. La ville est le grand centre culturel de la Renaissance. On y redécouvre avec enthousiasme la pensée antique. Les humanistes florentins, en premier lieu Marcile Ficin, cherchent à édifier un système philosophique unifiant l’héritage antique païen et la doctrine chrétienne.
Botticelli, artiste raffiné et intellectuel, ne se contente pas d’illustrer le mythe antique. Il reprend l’interprétation complexe du thème de l’amour établie par Platon dans Le Banquet. C’est une recherche de beauté absolue accessible au terme d’un processus en plusieurs étapes : amour d’un beau corps, puis d’une belle âme, finalement amour du savoir, qui en est la forme supérieure. Le philosophe définit deux principes : la Vénus terrestre, associée à l’amour charnel et à la fécondité, et la Vénus céleste, symbolisant l’amour divin.
Si la Vénus de Botticelli reprend le contrapposto antique, elle n’a pas les proportions d’une statue grecque. Son cou est plus long, ses épaules étroites. Sa posture instable, son expression mélancolique, donnent une impression de grâce et de fragilité . Sa nudité ne doit pas être interprétée dans un sens érotique. Contrairement au Moyen Âge, qui associe le corps humain nu à la honte et au vice, la Renaissance voit dans la beauté physique le reflet de l’âme. La déesse nue de Botticelli, innocente et pure, serait la Vénus céleste néoplatonicienne. La Vénus vulgaire, charnelle, est au contraire représentée vêtue. Cette seconde Vénus est célébrée par l’artiste dans un autre tableau de la galerie des Offices, Le Printemps . Elle régit le cycle fécondateur de la nature et apporte, par l’amour, l’harmonie dans l’univers.
L'Idéal de Beauté et l'Influence de Simonetta Vespucci
La Vénus de Botticelli serait Simonetta Vespucci, appelée « la bella Simonetta » et réputée comme la plus belle femme de son époque. Après son mariage avec Marco Vespucci (cousin du navigateur Amerigo Vespucci), elle vivra avec son mari à Florence. Elle était populaire à la cour de Laurent le Magnifique, notamment pour sa beauté. À son arrivée, elle est remarquée par plusieurs peintres dont Sandro Botticelli. Elle aurait ainsi servi de modèle pour La Naissance de Vénus (et d’autres tableaux).
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Si le tableau a autant de succès à son époque et encore aujourd’hui, c’est parce que Botticelli a réussi à peindre la beauté parfaite selon les canons de beauté de la Renaissance : quelques rondeurs au niveau du ventre, une peau très claire et une longue chevelure blond vénitien (la couleur de l’or). Depuis les critères de beauté ont bien changé. Pour évoquer la grâce et la divinité, Botticelli s’inspire des poses des statues antiques. Et pour accentuer encore la beauté de sa déesse, Botticelli n’hésite pas à déformer ses proportions : un cou plus long que la normale, une épaule tombante et un bras qui ressemble à une jambe. Mais ça fonctionne,… La naissance de Vénus est l'un des tableaux les plus connus de la Renaissance et l’un des plus beaux nus de toute l’histoire de la peinture !
Un Nu Osé et Révolutionnaire
Dans une époque où l’art est au service de l’Église, il n’est pas commode de rencontrer une femme nue. Pour être plus précis, la peinture n’en avait plus vu depuis plus de 1000 ans. Pendant tout ce temps, le nu féminin représentait la luxure, le péché et la honte. Le nu était réservé à Eve, pécheresse à la pomme et au serpent.
Quand Sandro Botticelli trouve l’audace en 1484 de sortir La Naissance de Vénus, il ne s’agit pas d’une toile supplémentaire venant confirmer son talent. Ce tableau marque une rupture dans l’histoire et donne une nouvelle dimension à l’art. L’art n’est plus seulement un moyen de communication à la merci d’une idéologie, il devient également un objet de désir.
Dans son tableau, Sandro Botticelli fait un pari osé : il montre la beauté féminine totalement nue. À l’époque de la Renaissance, on ne montrait jamais de personnage sans vêtements (hormis l’enfant Jésus), car l’Église était très stricte sur la pudeur. Botticelli masque certaines parties intimes du corps de sa Vénus en plaçant ses mains et surtout sa longue chevelure aux bons endroits,… malin ! 😉
Dans cette peinture, nous retrouvons la déesse romaine de l’amour, de la beauté, de la fertilité, Vénus, comme le nom de l’œuvre l’indique. Vénus est au centre de l’œuvre et est entourée de nombreuses figures mythologiques.
Vénus, à l’aide de sa longue chevelure décide de cacher son sexe. Elle aurait pu cacher n’importe quelle partie, son sein par exemple mais non, ce n’est pas son choix. Un geste qui introduit une dimension érotique. Elle cache un interdit de l’époque. Elle est pensive et nous montre que le corps de la femme n’est plus représenté comme une honte, comme on pouvait le voir à l’époque. La religion chrétienne interdisait la représentation du nu. La seule et l’unique femme montrée nue était Eve. Ainsi, on redécouvre un corps féminin qui symbolise la beauté et l’amour. Vénus représente la rupture avec les conventions artistiques de l’époque et représente un choix très audacieux de l’artiste. La déesse est parvenue à fasciner et à faire naitre la beauté malgré les interdits de l'époque.